Kreazioa: Lisa Parra, Silvia Zayas

About Ana es una obra de danza/performance entre dos artistas de disciplinas distintas Lisa Parra (Nueva York), coreógrafa y Silvia Zayas (Madrid), artista de performance y video. Iniciaron un proceso en que cada artista bosqueja su punto de vista sobre la experiencia de arte, en su propio idioma, a distancia utilizando formas de comunicación propias de internet con chat, video y mails.
El diálogo trata un texto escrito por Lisa en que se elabora la experiencia de aplicar las tecnologías nuevas a la danza, la representación, la imagen del cuerpo, la identidad, el cambio y el papel del error en el arte.

Presentación:
El taller se concibe como un espacio de reflexión, creación e investigación, que buscará ahondar en el cruce entre la creación escénica y la acción política, asumiendo que entre ambos campos (y dentro de ellos) anidan conflictos que han propiciado diversas formas de expresión, desencuentro o reafirmación.

Para ello se trabajará en dos líneas: investigativa y creativa. La primera partirá de la lectura y visualización de diferentes materiales escénicos, mientras que la segunda abordará la creación de acciones escénicas, que articulen diferentes lenguajes y contenidos, y que partan de una necesidad personal de cada uno de los participantes.

Investigación:
Se analizarán y pondrán en cuestionamiento videos de diferentes creadores y creadoras escénicas, performers y coreógrafos contemporáneos, de Europa y Latinoamérica, así como textos teóricos de artistas, estudiosos de las artes escénicas y al pensamiento y el activismo político contemporáneos, con el fin de ahondar en una visión de lo político que evite la autocomplacencia, los discursos pre-establecidos, y que nos permita analizar las formas en las que opera el poder, dentro y fuera de nosotros.

Metodología:
El trabajo comienza a mediados de septiembre, en una primera fase que se realiza vía Internet, en la que se comparten diferentes materiales teóricos y videos de diferentes creadores y creadoras escénicas, generando una reflexión colectiva sobre lo político y lo escénico, a la vez que se comienza a definir un objeto de estudio, que parte de una necesidad concreta de los y las participantes, y sobre el que se realiza un acopio de materiales que podrán abordarse en la creacián. Esta fase tiene así, la intención de abrir los campos teóricos de análisis y sentar las bases de una posible creación o acción escénica.

La segunda fase del trabajo se realizará en las cuatro sesiones que se realizarán en Bilbao, en las que se esbozarán, desde la práctica, acciones y creaciones escénicas que puedan retroalimentarse de las miradas de los otros participantes, favoreciendo el intercambio. Se acercarán diferentes medios sobre los que se podrá trabajar, como cámara de vídeo, fotos, micrófonos, grabadora de sonido, así como con artistas o personas que los creadoras y creadores hayan querido invitar, buscando que los creadores y creadoras se crucen -participen- en las diferentes propuestas.

El proceso de investigación y creación culminará con un encuentro abierto en el que se mostrarán las propuestas escénicas -que no intentarán presentar nada cerrado, sino un proceso propio- en que se abrirá un dialogo con el público.

Artistas analizados:
Batato Barea, La Ribot, Vladimir Mayakovsky, Angélica Liddell, Lola Arias, Elena Córdoba, Fernando Renjifo, Amat Escalante, Membros Danza, Silvina Grinberg, Colectivo Situaciones/H.I.J.O.S, Julio Hernández Cordón, Lagartijas tiradas al sol, Tupamaros/Luis Camintzer, Roque Dalton, Ana Mendieta, Grupo Sotzil, Marina Abramovic, Luiz de Abreu, León Ferrari, Luciana Fina y Anne Sexton.

Autores teóricos:
Colectivo Situaciones/H.I.J.O.S Argentina, Jacques Derrida, Luis Camnitzer, Maurice Blanchot, Santiago Alba Rico, Jacques Ranciere, Oscar Cornago, José Henríquez, Angélica Liddell, Daniel Veronese, Alberto Ure, Virginie Despentes, Roberto Bolaño y Rodolfo Walsh.

Idea: Esti Olabarri
Creación: Maia Villot, Maite Castro, Esti Olabarri
Interpretación: Maia Villot, Maite Castro
Asistencia audiovisual: Inés Bermejo
Asistencia de escenografía: Elisabeth Lebailly
Iluminación:Gabo Punzo
Agradecimientos: Itziar Madariaga, Idoia Zabaleta, Dani Arranz, Isaak Erdoiza, Isabel de Naverán, Ixiar Rozas.
Colaboradores: Bilbaoeszena, Dantzan Bilaka, Azala Espacio de Creación (Lasierra, Araba), Sala Ka (Bilbao).

En proceso
Si la “predecibilidad” es la proyección temporal de los acontecimientos y la incertidumbre un paso más acá del vacío, ¿dónde queda el momento presente? En un
mundo de no certezas que impone sus reglas de juego, ¿qué nos pasa si dejamos caer la obsesión por predecir y producir significado y nos abandonamos a los
acontecimientos? ¿Qué nos pasa si no definimos lo indefinible?
Este proyecto nace del deseo y la imposibilidad de entender y atrapar el tiempo y convertirlo en otra cosa.
Es un intento de adentrarse en el cuerpo desde un proceso de tránsito por territorios codificados en el lenguaje de las imágenes. Una búsqueda que comenzó con
invertir la tecnología de los medios audiovisuales al cuerpo en movimiento.
Tomamos como eje el cuerpo, desde un ejercicio de dilatación del instante en un sistema que hace y rehace para volver a hacer. Habitamos un paisaje plano donde las
formas y los gestos se reducen a lo mínimo. Un vacío indefinible que se aleja del concepto para abrirse a la experiencia.
Play Stands Still es un trabajo aún inacabado que está en continua construcción. En este momento estamos enfocando hacia materiales para una pieza escénica y otros
en formato audiovisual que podrán ser presentados como trabajos autónomos.

Colabora: Judith Mata • Composición sonora: Katza
Apoyan: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco (Dantzan Bilaka)  y San Agustín Kultur Gunea Durango.

Segunda obra que pertenece a una trilogía de danza de ciencia ficción.

El diseño lumínico, corporal y sonoro se dirige hacia otra dimensión de lo real: situado en la utopía de una posible evolución humana que habla del contacto de dos seres de una época futura y del ritual del encuentro.
Una pieza para moverse, pararse y contemplar.

Para el griego la contemplación es la más sublime de las prácticas.
No es una actitud pasiva sino activa y la cual requiere un alto grado espiritual, a través de la contemplación se desvela (aleceia) el orden natural, las leyes que todo lo rigen.- Judith Mata-

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Dirección: Roberto Martínez / Abraham Hurtado • Interpretación: Roberto Martínez / Pablo Peña • Música: Pablo Peña  • Vestuario y decorado: Alberto sinpatron • Video: Abraham Hurtado  • Calzado: Medwinds.

Con este trabajo exploramos el estado físico que se genera a través de acciones continuas, buscando el límite del impulso que ha producido la propia accion. Esta experiencia nos coloca en un punto en el que nos dejamos llevar por un viaje a paisajes ficticios donde el acto litúrgico se convierte en algo cotidiano, ofreciéndonos la posibilidad de poder acercarnos a la persona que hay detrás de la acción.

La excitación, Kandinsky escritor, el folklore, el aquí y el ahora, la extenuación o Blade Runner fueron algunos de los primeros motores de investigación de este ejercicio de percepción, deconstrucción y reflexion sobre el significado de “estar presente” donde el movimiento y la música actúan como nuevos motores para propulsar el viaje.

Idea y dirección: Bea Fernández • Cámara y edición: Elena Albert • Una producción de: Las Santas • Gracias a todos los entrevistados: Africa Navarro, Natalie Labiano, Carme Torrent, Gema Díaz, Mercè Recacha, Mónica Muntaner, Sílvia Sant Funk, Jordi Casanovas, Norberto Llopis, Mauricio González, Jesús Barranco, Raquel Sánchez, Amalia Fernández, Lola Giménez, Monse Penela, Sofía Asencio.

A partir de las conversaciones con 16 intérpretes de diferentes ámbitos de la creación actual, se ha tratado de producir un documento que relacione estas diferentes perspectivas sobre la figura del intérprete (sobre su relación con la creación, con el autor, sobre el significado actual de las huellas que quedan de los diferentes trabajos y la utilización de éstas y otras influencias, sobre su relación con la escena y con el público). Un documento que pueda acercarnos a través de un recorrido a esa otra mirada (¿más interna?), y que recoge diferentes experiencias y cuestiones sobre la creación y el hecho escénico.

La bailarina, coreógrafa y pedagoga catalana Angels Margarit, Premio Nacional de Danza 2010 en el apartado de Creación, participante este año en el XIII Festival de teatro y danza contemporánea de Bilbao (BAD), organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, compartirá con el público su filosofía creativa en una charla interactiva.

Entradas: Disponibles en taquillas y en la web del Museo dos semanas previas al evento.

Dirección: Ximun Fuchs
Reparto: Ximun Fuchs, Ander Lipus, Manex Fuchs, Miren Gaztañaga, Ainara Gurrutxaga Urko Redondo
Guión: Igor Elortza & Unai Iturriaga
Escenografía: Jose Pablo Arriaga
Diseño iluminación: Josep Duhau
Compañías: Artedrama, Le Petit Theatre de Pain & Dejabu Panpin laborategia

Odei ha muerto. La cuadrilla de amigos de la juventud vuelve a encontrarse para su entierro, después de muchos años sin haber sabido los unos de los otros. Llevados por el dolor, la nostalgia y la emoción del reencuentro, convertirán este último adiós en una fiesta salvaje. La locura de la noche sacará a relucir todas las mentiras, verdades y contradicciones del presente y del pasado.
Sin embargo, tan sólo quedan las cenizas de lo que soñaron llegar a ser y nunca fueron.

Errautsak obra osoa 1/2

Errautsak obra osoa 2/2

Pieza 1: “Encierros” • Creación: Irene Bau

Pieza 2: “Asi y restar-” • Creación. Begoña Krego

Idea y Dirección. Beatriz Fernández
Creación e interpretación: Bea fernández, Mauricio González, Montse penela
Asesor: Carmelo SalazarIluminación: Jeroen Smits
Producción: Las Santas

Este trabajo está dedicado a: Marga Guergué, Sabine Dahrendorf, Alfonso ordoñez, Carmelo Salazar, Olga Mesa, Elena Córdoba, María de Avila, Carlos Fernández, Katie Duck, Lorenzo Godoy, Carmen Roche, Maya Plisetskaya, Mónica Valenciano, Juan Hidalgo, Gary Stevens, Juan Loriente, Nekane Santamaría, Maria José Pire, Oscar Dasí, Carlos Malquerie y alguno más…

Somos muchos cuerpos, tantos como hemos bailado.
Somos trocitos y cuerpos de otros, somos los restos de esos cuerpos que se nos han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria transformada.

Tres personas, somos Monse Penela, Mauricio González y Bea Fernández, más todos los cuerpos que hemos revisado del pasado para versionarlos en el presente desde diferentes perspectivas. La pieza se construye en la suma de tres intervenciones solitarias que tienen como base temática la memoria del cuerpo del bailarín como archivo vivo de datos y recuerdos transitados a lo largo de su trayectoria profesional.
Me interesa el rol del intérprete, como materia de la escena, como vivencia, como sujeto procesual, por eso esta pieza tiene una dirección y tres autorías, cada intervención tiene sus propias reglas creadas desde dentro, desde ese lugar del intérprete que acciona y compone en tiempo real en las sesiones de trabajo. Hemos trabajado cuestiones como las versiones de uno mismo, los cuerpos aprendidos, el cuerpo invadido. Al trabajar con la memoria aparece lo autobiográfico como herramienta de trabajo, la idea de confesión como intimidad compartida con el espectador y el sentido curricular o cronológico de la trayectoria profesional como un viaje, o incluso como una canción.